Íntimo em Oslo – verdade

Para não temer: as três entradas na trilogia de Oslo-set de Dag Johan Haugerud, “Sex Sex Dreams Love”, pode ser visto em qualquer ordem. Não há resposta correta, mas os dois primeiros lançados nos Estados Unidos – “Love” e “Sex”, que estreou em maio e junho, antes da chegada de outono da terceira parte – estão tematicamente e esteticamente alinhados, criando meditações ambiciosas sobre as folgas da meia -idade e a busca pelo etéreo em um mundo de tijolos e mortares.

“Love”, o mais episódico dos dois, começa com o planejamento de uma celebração das artes em toda a cidade, destacando um assunto não convencional: motivos sexuais escondidos à vista, dentro da arquitetura municipal local. O foco aqui é o guia turístico Heidi (Marte Engebrigtsen), o melhor amigo da personagem principal do filme, Marianne (Andrea Bræin Hovig), uma cirurgião heterossexual local que procura estabilidade doméstica. Mesmo antes de encontrarmos o último, o campo de Heidi nos guia para uma leitura mais aberta e sexualmente vulnerável do que de outra forma poderia parecer mundano. Há uma clareza intencional na concepção de Oslo de Haugerud. Como o filme, ele é sexualmente carregado, mas nunca emocionante.

Marianne trabalha ao lado da enfermeira gay Tor (Tayo Cittadella Jacobsen), cujo interesse está em conexões casuais do Grindr. Embora os conhecidos principalmente trabalhem, suas reuniões caseiras em uma balsa local levam a conversas de sonho sobre seus respectivos desejos e abordagens de sexo e romance, que são gradualmente desafiados à medida que o “amor” continua. Vemos o namoro de Marianne com vários homens-entre eles, uma geóloga que estuda a história em mudança da Terra-até que ela finalmente experimenta uma abordagem de não estaca. Também seguimos os encontros sexuais de Tor em espaços públicos transitórios (como a balsa isolada). Ele é provável a um homem mais velho bonito, mas retirado, com quem o amor parece possível, mas cujas doenças tiram o sexo da mesa.

A natureza conversacional do filme contribui para um relógio enganosamente reconfortante, auxiliado por Haugerud e diretora de diretores de diretora Cecilie Semec Casual Visual Approach, na qual o diálogo determina o ritmo do filme. Se os personagens percebem ou não, sua proximidade com doenças e mortalidade (grande parte do filme ocorre em um hospital) os obriga a considerar mais de perto o que eles podem querer fora da vida, em uma sociedade secular que rejeita cada vez mais a existência após a morte. Pode -se encontrar significado no desejo ou apenas escapar? Haugerud luta com essa questão através de uma série de introspecções suaves, em vez das declarações detalhadas de uma rom-com Hollywood. Essas meditações culminam em cenas de diálogo tranquilas e afetantes contra o pôr do sol deslumbrante, que reintroduzem mistérios luminosos nas desconstrução quase matemática dos personagens de amor e sexo.

Essa incerteza climática permeia a história da irmã do “amor”, “sexo”. Depois de usar as fotos das varreduras de chaminé robustas e uniformizadas de Oslo – cuidadores estoicos da infraestrutura física da cidade – os modos visuais de Switch de Haugerud e Semec para apresentar um conto de masculinidade mais ironda concebido em crise. Em tiros longos e prolongados, um par de trabalhadores na cobertura se encontra em um escritório sem descrição, um local improvável para as confissões acusadas subsequentes sobre gênero e desejo.

Ambas as varreduras são homens de família com esposas e filhos adolescentes, e ambos permanecem sem nome, uma escolha que dá ao filme a sensação de fábula. Um deles, o homem mais cauteloso e secretamente religioso (Thorbjørn Harr) relata um sonho da noite anterior, no qual o olhar de símbolo sexual de gênero, David Bowie, perfurou seu senso de ser, olhando para ele “como se fosse uma mulher”. Isso o leva a se preocupar que sua voz seja uma oitava mais alta que o habitual, o que não é um bom presságio para o seu próximo recital do coral. Em um ato de fragmentação chocante, o outro, o homem mais próximo (Jan Gunnar Røise) imediatamente replica com uma anedota do dia anterior sobre como um cliente masculino se aproximou dele com um olhar semelhante de saudade, resultando em fazer sexo. No entanto, ele não se considera estranho, ou o ato de estar trapaceando em qualquer sentido significativo, mesmo que sua esposa (Siri Forberg), discorde.

Sua apreensão e franqueza combinam -se em cenas maravilhosamente divertidas dos homens tentando navegar nesses problemas com seus cônjuges. Os dois protagonistas do sexo masculino raramente passam um tempo juntos ao longo de “sexo”, mas seu bate-papo íntimo se mostra catalítico para o interrogatório cruzado do filme de gênero e sexualidade tradicionais. À medida que estes entram em crescente atrito com noções mais fluidas de ser, cada homem é forçado a contar com a tensão do que isso significa não apenas para si mesmo como indivíduo, mas como membro de uma unidade familiar e de uma sociedade maior com suas próprias opiniões e preconceitos – seja contra a exploração sexual ou a crença religiosa.

Como ele faz em “Love”, Haugerud acaba volta a uma série de conversas cada vez mais vulneráveis ​​na “Golden Hour”, desta vez ao nascer do sol. Mas Haugerud não se contenta em se repetir e, portanto, as conversas mais importantes do filme acontecem através da música e das artes – locais para uma expressão mais variada do eu. O desempenho do coro acima mencionado assume uma forma especialmente florida que amplia suas noções inspiradas em Bowie de masculinidade não tradicional. No filme anterior, o anoitecer traz sobre reflexões sobre a mortalidade. Aqui, Dawn produz renascimento.

Nem “amor” nem “sexo” passam a conclusões facilmente digeríveis sobre a busca por si, ou a disputa por uma base de concreto em uma paisagem social em mudança. Ao longo de cada filme, Haugerud transforma o significado dos Skylines modernos de Oslo, imbuindo concreto com a infinita possibilidade. A descrença na divindade e doutrina há muito tempo coincide com a aceitação de espectros mais amplos de gênero e sexualidade, mas os filmes de Haugerud estão menos interessados ​​nessa dinâmica política do que no ímpeto emocional por trás de procurar respostas para a existência de alguém. Na ausência de religião, onde as pessoas direcionam sua “fé” quando envolvidas pelo caos interno pessoal?

No final de cada filme, a pele brilhando ao sol começa a se sentir menos como o produto calculado da cinematografia e, mais como uma aparição mágica, com o poder de fazer com que a carne pareça divina. Chegando a um acordo com a própria complexidade, Haugerud parece sugerir, é a forma de iluminação religiosa da nossa idade.