A essa altura, você é um fã obstinado de Wes Anderson ou definitivamente não. Presumivelmente, isso decidirá se você verá o novo filme dele cidade asteróide. Ele se tornou tão Wes Andersoniano ao longo dos anos que as pessoas que simplesmente apreciado seus primeiros filmes como Rushmore (1998) e Os Tenenbaums Reais (2001) caíram ofegando por alívio, incapazes de lidar com a crescente falta de ar de sua autoria.
cidade asteróide, ironicamente, é sobre a vastidão do espaço e os grandes mistérios da vida e da morte, envolvendo os participantes de uma convenção de astronomia em uma pequena cidade do deserto americano que se torna o local de um pouso alienígena real. Mas a maneira de Anderson lidar com esses tópicos expansivos é tornar tudo rígido, artificial e limitado ao palco. É possível que ele esteja tentando transmitir as limitações da experiência humana e a maneira como tendemos a viver presos em arranjos arquitetônicos rígidos semelhantes a dioramas e confinando convenções sociais e hábitos mentais enfadonhos, não importa que coisas extraordinárias aconteçam conosco.
Mas acho que não. Ultimamente, especialmente, os filmes de Anderson – não importa quais sejam as premissas ou desenvolvimentos da trama – sempre usam histórias complexas e cenários teatrais. Parece que é porque ele gosta do efeito.
Este em particular apresenta uma convenção “Junior Stargazers and Space Cadets” em 1955 na remota cidade deserta de Asteroid City, onde uma cratera deixada pela suposta queda de um meteorito eras atrás é a principal atração turística. Um gerente de motel (Steve Carell, substituindo Bill Murray, que teve COVID) administra as únicas acomodações turísticas da cidade, uma série de cabines rudimentares para hóspedes. Há apenas um restaurante – uma lanchonete. Testes de bombas atômicas nas proximidades enviam nuvens de cogumelo ocasionais, o que explica a forte presença militar, liderada pelo general Grif Gibson (Jeffrey Wright).
Durante a convenção, um pequeno grupo de adolescentes inteligentes recebe prêmios por suas invenções relacionadas ao espaço, e seus pais e outros adultos estão presentes para testemunhar a cerimônia. Eles incluem o fotógrafo de guerra e viúvo Augie Steenbeck (Jason Schwartzman), a estrela de cinema e TV Midge Campbell (Scarlett Johansson), a professora June Douglas (Maya Hawke) e a astrônoma Dra. Hickenlooper (Tilda Swinton).
Depois, há um pouso alienígena real e um extraterrestre – uma criatura divertidamente alongada e animada de olhos arregalados, com Jeff Goldblum como o ator que o interpreta nos bastidores – que pousa na cratera. Este evento impressionante altera temporariamente a experiência de todos, até que as rotinas da família e da vida profissional os dominem novamente.
Tudo isso é apresentado da maneira patenteada e extremamente estilizada de Anderson, é claro, com um esquema de cores atraente e bastante bonito, apresentando uma intensificação das cores do sudoeste, como turquesa e coral. As imagens mais memoráveis do filme são provavelmente as tomadas planas e frontais de Johansson como Midge, com cabelos negros como Elizabeth Taylor, maquiagem de olho de gato e lábios vermelhos, emoldurados na janela de sua cabine, conversando com Schwartzman como Augie, da mesma forma. enquadrado em frente a ela, enquanto eles conduzem um caso de amor inexpressivo entre “duas pessoas catastroficamente feridas”. Johansson, em particular, parece ter encontrado a chave para entregar o diálogo semi-sedado de Anderson de forma eficaz, e ela credita a Schwartzman – um favorito de Anderson desde que estrelou Rushmore caminho de volta quando – ajudando-a a descobrir como fazê-lo.
O filme começa em preto e branco com a antiga proporção quadrada da Academia para transmitir uma imagem de TV dos anos 1950 apresentando um narrador masculino tipicamente rígido e solene da época (Bryan Cranston) descrevendo uma peça histórica na televisão chamada cidade asteróide. É de um notável dramaturgo americano chamado Conrad Earp (Edward Norton), que vemos trabalhando na peça. Então seus personagens começam a povoar o palco. A imagem se abre em cores widescreen enquanto assistimos à versão mais ao ar livre e realista dos eventos da peça, embora uma teatralidade básica permaneça na aparência pegajosa dos “cenários” e no estilo de atuação um tanto narcotizado de todos os atores. Mas a narrativa continua indo e voltando entre esses personagens, em cores, e os atores interpretando os personagens, e Earp trabalhando, em preto e branco.
Em entrevistas, Anderson fala sobre sua obsessão juvenil pelo diretor Elia Kazan, que é a inspiração para o diretor machista da peça. cidade de asteroides, Schubert Green (interpretado por Adrien Brody). Como tantas explicações para o que Anderson supostamente está fazendo em seus filmes, esta é um vazio, porque nenhum cineasta parecia menos inspirado por Kazan, que era membro do Grupo de Teatro e cofundador do Actors Studio, dedicado a um teatro de esquerda comentário social, antes de vender sua alma citando nomes para o Comitê de Atividades Antiamericanas da Câmara. Como diretor, Kazan se especializou em emoção crua, injustiça social e a agonia da experiência americana em filmes como Acordo de cavalheiros (1947), Um Bonde Chamado Desejo (1951), À beira-mar (1954), Leste do Eden (1955), e Um rosto na multidão (1957).
Em contraste, a abordagem de Anderson parece projetada para manter você a uma distância emocional, sem nenhuma, digamos, teoria política brechtiana ou qualquer outra teoria para justificar ou dar sentido a ela. Embora algumas pessoas achem este filme incrivelmente comovente, apesar de todos os esforços de Anderson à distância. Abutre o crítico Bilge Ebiri foi levado às lágrimas. E, para lhe fazer justiça, ele tem uma visão de todos os filmes de Anderson para dar conta de sua emoção:
Há um ponto para toda essa indulgência. Os dioramas obsessivamente construídos de Anderson exploram a necessidade humana de organizar, quantificar e controlar nossas vidas diante do inesperado e do incerto. O universo arregimentado de Moonrise Kingdom é enviado para um declínio espiral pela mania do amor jovem. O ambiente de caixa de bombons Mitteleuropaïsch de O Grande Hotel Budapeste é desfeito pelo mal crescente do autoritarismo. As fascinações românticas e continentais de O Despacho Francês são atingidos por protestos, injustiças e violência. cidade asteróide pode ser a expressão mais pura dessa dinâmica porque se trata do desconhecido em todas as suas formas. A morte, a busca por Deus, a criação da arte, a exuberância do amor, os mistérios do cosmos – na narrativa de Anderson, são todas facetas da mesma coisa.
Adoro filmes sobre “o desconhecido em todas as suas formas” e acho que o cinema é um meio incrivelmente adequado para contemplá-lo. Também adoro o formalismo cinematográfico, com usos altamente inventivos e chamativos da cinematografia, mise-en-scène, edição e som. Isso deveria significar que eu amo Wes Anderson. Mas seu cinema nos últimos anos me perdeu completamente. Minha reação a filmes de Anderson como O Grande Hotel Budapeste e O Despacho Francês está espumando de raiva. cidade asteróide criou o mesmo efeito.
No fim de cidade asteróide, os créditos são reproduzidos sobre a música “Freight Train”, com seu ritmo otimista, sotaque sulista brilhante e letras sombrias: “Quando eu estiver morto e em meu túmulo / Não há mais bons momentos aqui, eu desejo / Coloque as pedras na minha cabeça e pés / E diga a todos que fui dormir. É claramente destinado a refletir a combinação do filme de cenário de deserto ensolarado e convenção juvenil de cadetes espaciais com nuvens atômicas de destruição pairando sobre eles – que, por extensão, evocam nosso atual estado de destruição e negação.
Então, no meio dessa música culminante, um papa-léguas toscamente animado aparece na parte inferior da tela e faz uma dança que dura até a imagem final. Difícil de explicar por que é tão irritante e tem uma enorme foda-se-perdedores efeito. Será que esse nerd do subúrbio do Texas acha que está isento da condição humana só porque agora mora na Europa, anda com a elite cultural e usa ternos sob medida?
Falando de seus ternos, um amigo meu disse que Wes Anderson parecia alguém que, quando criança, foi vestido por seus pais em um terno listrado em miniatura, usado por cavalheiros sulistas ressecados, só para ver o quão precioso ele ficaria. Então ele nunca mais parou de usá-lo, mandando fazer ternos de anágua cada vez maiores, até que desenvolveu uma espécie de terno de anágua da alma. Seus filmes, mesmo no seu melhor, foram afetados e alinhados com a elite, e estão cada dia mais distantes das preocupações da humanidade sofredora comum.
Anderson acaba de participar do Festival de Cinema de Cannes, onde cidade asteróide estreou, em um terno listrado. Parece apropriado.
Fonte: https://jacobin.com/2023/07/wes-anderson-asteroid-city-review-style-emotion
